FIB 2016
Las mejores películas de 2015

Las mejores películas de 2015

Publicado el 24.12.15
por Numerocero

1.     The Assassin, Hou Hsiao-hsien 

En uno de los pocos actos de justicia que deparó el palmarés de esta edición del festival, Hou Hsiao-hsien se alzó con el premio a la mejor puesta en escena por 'The Assassin'. Se podría argumentar que debería haber optado al galardón a la mejor película. Y, seguramente, se podría apuntillar que no tenía muchas opciones en la categoría de mejor guión. 'The Assassin' es una película de trama confusa, en la que sobresale su protagonista, una asesina que debe cumplir con un encargo. La heroína de Hou es tan fría como poseedora de un cierto humanismo. En el período convulso que retrata 'The Assassin', ella es la única que termina por desafiar las maneras violentas del sistema. En cualquier caso, intentar escudriñar la historia de 'The Assassin' sería perder el tiempo en beneficio de uno de los elementos más mínimos de la película. Hou ha firmado una película estéticamente desbordante: por la tensión entre la acción y la pausa del diálogo, por su colorismo y sobre todo por los árboles, la bruma y las cortinas que cubren los planos, como un velo, que envuelve la imagen de una silenciosa intimidad. Violeta Kovacsics 

2.     Fuerza Mayor, Ruben Östlund

La representación crítica de la vida modélica burguesa viene descrita no solo por el espacio, una estación que es una suerte de maqueta de la clase media, sino por una familia que ya desde el primer plano se nos presenta ridículamente uniformada. Así de encorsetada es la sociedad que dibuja Östlund en su filmografía y más en esta, la película con más interiores, más estilizada y quizá por ello la menos interesante formalmente del director sueco, cuyo final libera a sus personajes en el espacio para ponerlos a caminar en un homenaje directo 'El discreto encanto de la burguesía'. Una burguesía que camina desorientada, repite en silencio el comportamiento del padre y, como pasaba con la de Buñuel, a la que es imposible no odiar.

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3.     Viaje a Sils María, Olivier Assayas 

Hay muchos otros temas de los que habla “Viaje a Sils Maria” en apenas dos horas: la fama y su fragilidad; la necesidad de verse reflejado en otro para tomar conciencia de quiénes somos; las luchas subterráneas que se libran en el mundo del cine; o incluso, más tangencialmente, del poder del paisaje (las nubes, las montañas) sobre los estados de ánimo de los seres humanos. Pero, por encima de todo, el asunto esencial de “Viaje a Sils Maria” no es otro que el paso del tiempo y sus consecuencias, cuestión transversal en la obra de Assayas y muy presente en sus mejores obras.

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4. It follows, David Robert Mitchell 

Si, tras descubrir esta película, uno le echa un vistazo a “The myth of the american sleepover” (2010), el ejercicio de melancolía teenager con el que debutó David Robert Mitchell, comprobará que los escenarios son prácticamente los mismos. Con piscina incluida. Su primera película trataba sobre chavales que buscaban a alguien con quien pasar la noche; en “It Follows” los mismos chavales, con otros rostros, serán perseguidos por haber cometido la temeridad de pasar una noche (o apenas un rato) con alguien.  Dándole un giro metafísico a aquél cliché del cine de terror de los 70 y 80 según el cual si un personaje tenía sexo en la película inevitablemente iba a palmarla, Mitchell urde un dispositivo para provocarnos angustia y se apega a él durante toda la película, explotando el recurso de la figura amenazante en el paisaje que Carpenter patentó en “Halloween” y mareándonos a base de planes generales que, vistos en la pantalla del Auditori, a veces resultaban inabarcables. Sin lugar a dudas, una de las películas de género más audaces y contundentes del festival. (Toni Junyent Rosa)

5. Mad Max: Furia en la carretera, George Miller

6. Edén, Mia Hansen-Løve

Edén encuentra la manera de exponer, sin postureos ni maniqueísmos, el choque entre la pasión y la tenacidad que se necesita para labrarse una carrera artística y la amargura inherente, inevitable, fatalista casi (hecho que la emparenta especialmente con otra película suya, “Le père de mes enfants”) de la vida y la cruda realidad económica de sus protagonistas.

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7. Qué difícil ser un dios, Aleksey German

8. Puro vicio, Paul Thomas Anderson

Las imágenes de 'Puro vicio' parecen cantar a una belleza (o a una utopía) que existió, que fue real durante un segundo, pero que acaba desvaneciéndose. Como aquel momento en que “Doc” recuerda a Shasta pasando al lado de un descampado bajo la lluvia, en uno de los últimos días que pasaron juntos, para luego comprobar que ese mismo lugar está tomado ahora por un edificio infame. Una escena que parece trivial, pero que da el tono de una película tocada por la melancolía de quien asiste a la desaparición de un paisaje.

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9. Inside out, Pete Doctor

10. Maps to the stars, David Cronenberg

La sátira hollywoodiense que proponen David Cronenberg y el guionista Bruce Wagner es tan inclemente como, a ratos, vulgar. Y no tengo claro si es vulgar en el mal sentido, pero algunos de sus gags, sobre todo cuando manejan asuntos escatológicos o enfermedades, no desentonarían en un especial de “Padre de familia” que tuviera la mirilla puesta en la meca del cine. Pero sería irresponsable negar que hay algo definitivamente febril y asqueroso —ahora sí: en el buen sentido— en “Maps to the stars”, una película de la que no sabes muy bien qué pensar pero que acaba jodiéndote el estómago de una manera harto curiosa. Probablemente se deba a la implacable sobriedad de la puesta en escena, en la que los vivos y los fantasmas de los muertos tienen la misma fisicidad. Cronenberg cede todo el protagonismo a los actores y, para ser más exactos, a lo que estos dicen, convirtiendo la película en una especie de late show radiofónico en el que un puñado de desgraciados que se pudren en los arrabales del cine cuentan sus traumas y buscan, en vano, algo que pueda corregir o compensar su deformidad interior. Digan lo que digan, “Maps to the stars” es un Cronenberg perturbador. (Toni Junyent Rosa)

11. Foxcatcher, Bennet Miller

La fuerza de la película, y la razón que la historia que cuenta se quede unos días rondando el cuerpo del espectador, está en sus actores. Steve Carell se da la vuelta a si mismo varias veces y parece comprender perfectamente el personaje que interpreta: un loco alucinado y obsesivo, un niño grande acomplejado encerrado en el cuerpo de un luchador que ni tan siquiera lo es en realidad. De nuevo la palabra ‘complejidad’ viene a la mente para definir su impactante composición. Mark Ruffalo no necesita tanto: lo borda simplemente con cuatro gestos (esos andares, esas manos encogidas para adentro) demostrando una vez más el magnífico actor que es; y Channing Tatum, injustamente ninguneado en el reparto de premios y elogios que ha recibido la película, está glorioso sin que se le note el esfuerzo; su gesto facial simiesco y esa mirada extraviada del que no entiende nada de lo que ocurre a su alrededor definen toda la película.

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12. El país de las maravillas, Alice Rohrwacher

13. Ex Machina, Alex Garland

14. E agora? Lembra-me, Joaquim Pinto

Lee la entrevista con Joaquim y su mano derecha, Nuno Leonel, aquí  

15. O futebol, Sergio Oksman

'O futebol' se compone a base de tomas fijas, no hay casi movimientos de cámara pero sí cortes bruscos y multitud de elipsis. Y es que la imagen que vemos es tan importante como la imagen ausente que permanece perdida. Su padre, su propia familia, su propia historia y el relato, emergen como enigma y permanecerán como una incógnita, como algo inaprehensible, como algo que ni se ha mostrado ni visto del todo. Emocionante esa toma final sobre el crucigrama que aun estando completo, anuncia un misterio que ha quedado revelado a medias, dicho a medias suspendido en la caligrafía temblorosa del padre.

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16. Arabian nights, Miguel Gomes

17. Langosta, Giorgos Lanthimos

El moralista retorcido y apesadumbrado que es Lanthimos se redime, y redime un tanto a sus personajes, en un tramo final en el que rompe una lanza, como Houellebecq, por hacer habitable este infierno cruel y asimétrico. Parafraseando los últimos versos del hermoso poema que da nombre a una de las novelas del escritor francés, “en el centro del tiempo / por los siglos de los siglos / descubrir la posibilidad de una isla”.

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18. El club, Pablo Larraín

Una película que no se contenta con el hostil nivel discursivo y construye otros a su alrededor, que lo potencian, lo elevan o actúan de contrapunto. La textura de la imagen, el desconcierto de los montajes en síncopa, las interpretaciones que se mueven entre la extrañeza bressoniana y la intensidad de un Haneke ... ‘El club’ es una pieza de cámara que por momentos deriva en sinfonía arrebatada. 

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19. Crumbs, Miguel Llansó 

‘Crumbs’, por fortuna, ofrece mucho más que una radiografía de lo contemporáneo (que no es poco). De hecho, una explosión de ideas y en sus 68 minutos caben aventuras, la ciencia-ficción arenosa a lo ‘Mad Max’, delirios atávicos, romance, y una película que se deja engullir por el increíble paisaje etíope y, si hubiera que enmarcarla en un género, habría que hablar de ‘Crumbs’ como epopeya, como la historia de un hombre que lucha por  vencer sus miedos y por concluir una misión para salvar a su amada que le llevará a los confines del mundo conocido. Hacia qué marcos emocionales le conducen los derroteros que el destino tiene preparado al protagonista es otra de las grandes genialidades de la película, porque toda gesta, concluye Llansó, es también el proceso de un cambio personal profundo. Y ser espectadores del viaje del protagonista, Candy, interpretado por el etíope Daniel Tadasse y su cuerpo frágil y valiente, epítome, en última instancia, de lo humano, es una experiencia estratosférica. 

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20. Tag, Sion Sono 

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